美学与艺术欣赏

时间:2024-07-24 03:06:40编辑:流行君

什么是美学?

美学:美学是以对美的本质及其意义的研究为主题的学科,是哲学的一个分支。研究的主要对象是艺术,但不研究艺术中的具体表现问题,而是研究艺术中的哲学问题,因此被称为“美的艺术的哲学”。美学的基本问题有美的本质、审美意识同审美对象的关系等。美学来源:美学一词来源于希腊语aesthesis。最初的意义是“对感观的感受”。由德国哲学家亚历山大·戈特利布·鲍姆加登首次使用的。他的《美学(Aesthetica)》一书的出版标志了美学做为一门独立学科的产生。直到19世纪,美学在传统古典艺术的概念中通常被被定义为研究“美”(Sch?nheit)的学说。现代哲学将美学定义为认识艺术,科学,设计和哲学中认知感觉的理论和哲学。一个客体的美学价值并不是简单的被定义为“美”和“丑”,而是去认识客体的类型和本质。基本内容:这些演讲是讨论美好的;它的对象就是广大的美的领域,说得更精确一点,它的范围就是艺术,或则毋宁说,就是美的艺术。 对于这种对象,“伊斯特惕克”(Asthetik)这个名称实在是不完全恰当的,因为“伊斯特惕克”的比较精确的意义是研究感觉和情感的科学。就是取这个意义,美好在沃尔夫学派之中,才开始成为一种新的科学,或则毋宁说,哲学的一个部门;在当时德国,人们通常人艺术作品所应引起的愉快、惊赞、恐惧、哀怜之类情感去看艺术作品。由于“伊斯特惕克”这个名称不恰当,说得更精确一点,很肤浅,有些人想找出另外的名称,例如“卡力斯惕克”(Kal-listik)。但是这个名称也还不妥,因为所指的科学所讨论的并非一般的美,而只是艺术的美。因此,笔者姑且仍用“伊斯特惕克”这个名称,因为名称本身对笔者们并无关宏旨,而且这个名称既已为一般语言所采用,就无妨保留。笔者们的这门科学的正当名称却是“艺术哲学”,或则更确切一点,“美的艺术的哲学”。

艺术学、美学、哲学之间的区别和联系是什么?

美学是研究美的哲学,所有研究美的哲学理论都是美学,这样柏拉图在《大希匹阿斯篇》里探讨的美的本质就是这类。艺术哲学肯定是要从属于美学的,而美学在实际的范围上要大于艺术哲学。美学可以研究纯粹的美的问题,可以处理自然美,新近研究自然问题的就有环境美学、生态美学,但这它们肯定不是艺术哲学。哲学即秩序美哲学是对基本和普遍之问题的研究的学科,一般具有严密逻辑系统的宇宙观,它研究宇宙的性质、人在宇宙中的位置等等一些很基本的问题。北宋中叶以后,道学家的声势愈来愈浩大;南宋前期虽然政府几次三番下令禁止,并不能阻挡道学的流行和减削它的声望。南宋以后,只有朱陆二系传续不绝。元明之际,朱学进居正统之位,为中国君主社会后期的官方思想。

‘艺术’和‘美学’有什么区别

艺术和美学不是一对并列概念,艺术学和美学才是并列的。
艺术学的研究对象是艺术的活动和现象,包括艺术史、艺术理论、艺术理论史之类,比较具体和形而下,美学的研究对象是美的规律,包括美的定义、美的类型范畴和艺术创作的规律等,比较形而上,从学科范畴来看,艺术学是独立学科,包括美术学音乐学等,美学属于哲学范畴,是哲学的分支学科。


艺术和艺术设计的区别

艺术追求尽量多的可能性
设计追求尽量少的可能性
一件好的艺术作品不同的观众会有不同的理解,对它的解读是多角度的,绝对不是单一的。




举个例子,奈良美智(Yoshitomo Nara)作品,踩高跷的狗,观众对作品的解读必然会投射自己的经历。爱养宠物的人会觉得,宠物使用的东西需要越来越人性化,人类用的东西,宠物也要用!商人对这件作品的理解是,踩着高跷是吃不到碗里的食物的,有时候获得利益就必须放低姿态!政治家理解是:即使身为一条狗,那也得站在高处!

而好的设计作品在尽量减少歧义,直接的传达作者的主题思想。




概念自行车,大家都知道设计师在干什么——制造一辆从外表到功能都极度酷炫的车。


艺术走到极致能看懂的人越来越少
设计走到极致能看懂的人越来越多
艺术发展到最后很可能曲高和寡,必定有一批艺术家的作品是做给业内人看的,需要有一定的艺术经验或者艺术史知识才能看懂。其实各个领域都一样,就如同爱因斯坦的相对论也只有业内高精尖人士才能深度理解。




这是马列维奇(Kazimir Malevich) 的著名画作《白底上的黑色方块》,这是至上主义的第一件作品,标志着至上主义的诞生。马列维奇在一张白纸上用直尺画上一个正方形,再用铅笔将之均匀涂黑。现在观众可能会说,这画的是什么,看不懂,我也能画之类的话,但是要知道马列维奇这么画绝对不是某天灵感一来乱画出来的,在视觉效果上要经过多年研究和实验才能做出这样的作品,另外必须结合当时社会环境来看。

1914 年到 1918 年正在爆发第一次世界大战,这张作品 1915 年在彼得格勒的《0、10 画展》展出,引起极大轰动。观众们在这幅画前纷纷叹息,“我们所钟爱的一切都失去了。……我们面前,除了一个白底上的黑方块以外一无所有!”要知道作者创作这张作品是在 1913 年,大战爆发的前一年,马列维奇已经敏锐地察觉到危机的到来,以及战争给人民带来的伤害。所以当时的观众,看到这件作品时候自然联系起当时局势,从而解读它。

(PS:从马列维奇创作这件作品到展出期间,俄国危机深重,东线忙着打一战,国内国内经济崩溃,工厂倒闭,工人罢工,十月革命的风暴正在酝酿,如此动荡的社会形势下,艺术家坚守在自己的土地上,没有丝毫逃避,依然握紧画笔,发出自己的声音。而俄国人民仍然会举办画展,许多人会去观看。这不仅仅是对艺术的热爱,同时也是一种社会责任感。)

设计由于设计本身必须具有功能性,作品的受众不会有学术门槛。所以,好的设计作品是非常受大众喜欢的,比如 21 世纪改变人们生活方式的一件产品——iPad。





艺术让人觉得世界多元
设计让人觉得世界美好
艺术的主题可以是美好温暖的,可以是尖锐痛苦的,也可以是郁闷恶心的。让观众感到不适的作品未必不是好作品。




这是行为艺术家 马里娜·阿布拉莫维奇 Marina Abramovi? 早期的行为艺术,她在房间贴出告示,准许观众随意挑选桌上的 72 种物件与艺术家进行强迫性身体接触。在这 72 件物品中,有玫瑰、蜂蜜等令人愉快的东西,也有剪刀、匕首、十字弓、灌肠器等危险性的器具。其中甚至有一把装有一颗子弹的手枪。

在整个表演过程中, Abramovi? 把自己麻醉后静坐,让观众掌握所有权力。这个表演历时 6 小时, 在这个过程中, 观众发现她真的对任何举动都毫无抵抗时,便渐渐大胆行使起了他们被赋予的权力,艺术家的衣服被全部剪碎,有人在她身上划下伤口,有人将玫瑰猛然刺入到她腹中,有位观众甚至拿起那上了一颗子弹的手枪,放入她的嘴里,意欲扣下扳机。

这是艺术家最接近死亡的时刻,直到另一位观众惊恐不已地将手枪夺走。在被施暴的过程中,艺术家眼中渐渐充盈了泪水,心中充满了恐惧,然而她的身体无法做出任何反应,她清醒地意识到:他们真的可以对我做任何事!麻醉结束后, Abramovi? 从椅子上站起,带着累累伤痕,双目含泪,她缓缓走向观众,用目光对他们进行无声的控诉。面对艺术家那愤怒悲伤的眼睛,现场观众反倒恐惧了起来,他们纷纷后退,然后开始四散逃跑。

Abramovi? 在后来的访谈中说道:“这次经历令我发现,如果你将全部决定权交诸公众,那么你离死也就不远了。”(What I learned was that… if you leave it up to the audience, they can kill you.)对于“受害人”Abramovi?,这样的表演比肉体的创痛更加痛苦,她用了仅仅 6 小时就体察到了人类的弱点和黑暗,这种心灵的伤痛很难用语言描述。

“欢乐并不能教会我们什么,然而,痛楚,苦难和障碍却能转化我们,使我们变得更好,更强大,同时让我们认识到生活在当下时刻的重要性。”多年之后,Abramovi?曾这样解读自己对于痛苦身心经验的探求。

设计作品如果是让观众抵触,那是挺失败的。好的设计作品是让人感到舒服的。




传统插座——一个被广泛运用的失败设计。



自由的艺术是好艺术
合理的设计是好设计
一件打破传统,发人深思的艺术品是好的艺术品。20 世纪各种流派纷纷涌现,在今天似乎每一派都有继承者,当继承者们逐渐完善这个流派的精神和技法,犹如铸成了一个茧。技法越好思想体系越成熟这个茧就越坚硬,打破它就越困难。这时如果有谁能破开茧,那就是大师。

举出最有说服力的例子,大神毕加索。在毕加索之前,古典写实已经发展到了巅峰,在这个领域不论构图,题材,各种矿物颜料的选择,前人都已经探索到了极致。并且 20 世纪,照相术和电影都已经出现,人们不需要传统写实绘画来记录生活。这无疑把写实绘画逼到了绝路。毕加索从小被作为美术教师的父亲逼迫学习古典写实绘画。14 岁时技法大成,造型很精准,下笔如有神。完成一幅作品后,每每提笔而立,为之四顾,为之踌躇满志。他父亲看了他的作品后,自叹不如,把自己的全部画具送给了 14 岁的毕加索,从此金盆洗手,封笔不画了。

画画的朋友都知道,当你一种技法掌握得很熟练时,其实突破是很难的,技法的纯熟是一个无形的禁锢,艺术家往往不敢去打破它,有的想不到去打破它。但是天才毕加索,在古典写实绘画日暮途穷之时,做了一个伟大的变革,从而开宗立派,影响至今。请看下图。




这是毕加索立体主义时期的作品,整个画面平面化,打破传统的透视。仔细看画中人物的脸,是两个侧脸拼成的正脸。传统透视中,一个角度只能看见人脸的一个面,但是这张作品中同一个人出现了左脸,右脸,正脸!以前从没有人这样画。说明毕加索画画的时候,一会跑到左边画,一会跑到右边画。

再看画面人物身体上的圆形,如果理解为胸部,那似乎也不在正确的位置上。说明整个画面就没有透视点或者有多个透视点。毕加索不是站在一点去观察对象的,而是全方位立体的观察对象的!(但是立体主义名称的由来不是因为他立体的观察,而是画面上有很多小方块,有空我们再开个帖子讲这个)毕加索打破了传统写实绘画的茧,获得了自由,并为后来的艺术家们打开了一个崭新的世界!

但是设计不能和艺术一样自由。就平面设计而言,必须构图合理,色彩搭配要讲究,使用的字体要推敲,图案要取舍。各个方面要能达到一种“和谐的张力”那才能是好的平面设计作品。工业设计也一样必须符合物理学规律。当然,也有很多设计师有着天马行空的想象力,有的是目前科技水平还没法达到的。




这是一个获得太空能源的环保设计。将卫星发射到太空中,在那里它将展开 1.5 英里长的太阳能吸收板,并且源源不断地向地球输送清洁的能源。日本早已在此领域进行了大量的研究。卫星可以发射上去,收集太阳能也没有问题,但输送的能源束不太好控制,在太阳能被转化成能源束并发往地球时和地球上的接收器对接不好,经常偏离,从而把接收器附近的东西都烤焦了。研究人员正致力于解决这个潜在的灾难,但目前为止,毫无头绪。我们不能说这不是个好的设计,只有可能某些方面不太合理。



艺术趋向于和观众互动
设计一直是单向传达
艺术品不能高高地放在象牙塔上,它要有公共性与互动性,观众对艺术品不同的解读就是思维上的互动。艺术家在传达个人思想的同时,也希望能引起观众的思考和反馈。请看下图。




这是草间弥生(Yayoi Kusama)2013 年在上海展览的现场。观众可以从工作人员那里得到一些圆点贴纸,并且可以把它们贴在展厅的任何地方。这本身就是一件作品,观众也参与了创作。每个人都贴的很开心。这真的是让人终生难忘的一个房间,从过程到效果有莫名其妙的欢乐气氛。

对设计作品而言,观众或者使用者是不会参与到作品的创作过程中去的。设计师拿出什么,观众就接着什么。




迪拜的旋转塔(Da Vinci tower),这是世界上独一无二的伟大创举。

首先,这幢楼的每一个层楼都能独立旋转。你没看错,每一层都能自动旋转!每层楼每分钟最多旋转 20 英尺(约合 6 米)的幅度,90 分钟将旋转一圈。这将使得整幢大楼不断变换外形,而且不同时间、天气下,会显现出不同色彩。这是一座综合大楼,包含酒店、办公室及住宅。每户都能拥有多角度,无与伦比的景观。

其次,迪拜旋转塔施工方式号称全球首创,是第一座完全由预先定制部件建造的摩天大楼,这一建筑方法被称为“菲舍尔法”。方法就是在意大利南部阿尔塔穆拉市一间厂房内预先组装好每一个单位,配备所有水电系统以及从地面到天花板、浴室、厨房、储藏室、灯具和家具等全部装修。再运到迪拜现场进行组装,沿着中央的固定水泥主干一层层组装,可在极短时间内竣工。一般的高楼大厦现在平均每六个星期兴建好一层,但这幢动感大楼每一个星期便建好一层,比普通建造方式减少五周,可以把建筑成本降低 10%。

而且这座旋转塔的电力来源也很特别,菲舍尔在每两层楼之间的夹层都设计风涡轮机,等于全楼共有 79 套风力发电设施。风涡轮机的外形特别,由碳纤维制成,因此保证了安静性。此外,在每层楼顶都设置太阳能集能电池,一共 80 层高建筑就等于有 80 个屋顶,通过旋转系统,光辐电池可以获得最大的日照辐射量。只要每层楼有 20%的屋顶暴露在阳光下,能够收集的能量就是一般大楼的 10 倍,建商宣称旋转塔的环保能源不仅能自给自足,还能多出来分给邻近的建筑物使用。换句话说,整座大楼所需的能源都是自给自足的。 此外,大楼的居民们可以通过电梯将自己的车停放在自己的公寓中。

如此梦幻的设计。人们只能叹为观止,根本不可能参与到设计过程中去。



艺术多与文化有关
设计多与科技有关
艺术越往前发展经常和社会学,心理学交互作用,大部分艺术家都会主动去阅读一些哲学类书籍,这样艺术作品也会有一个方向性。举个例子。




这是超现实主义旗手萨尔瓦多·达利(Salvador Dali)的著名画作《记忆的永恒》。画面中出现了艺术家标志性的符号,软表和蚂蚁。这两个形象在达利之后的画作中一再出现。其实这是在达利的梦境中一再出现的场景。

说到超现实主义不得不提的一个人是西格蒙德·弗洛伊德(Sigmund Freud),20 世纪伟大的心理学家。我们经常说的“潜意识”一词就是他提出来的。经弗洛伊德研究表明,潜意识在梦境中体现的尤为充分,梦中出现的东西都是有原因才出现的,这个原因就是人的某一种潜意识。

超现实主义绘画在记录梦境,也在探索梦境的意义。达利就经常梦见蚂蚁从自己身体里钻出来。儿童时期的达利曾经养过一只小蝙蝠,在这只小蝙蝠身上,达利倾注了他所有的爱。但是有一天,不知什么原因,他最爱的小蝙蝠被一大群疯狂的蚂蚁包围着,遍体鳞伤,痛得发抖,已是奄奄一息。他跳起来拿起爬满蚂蚁的蝙蝠,并发疯似的咯吱咯吱咬蝙蝠的脑袋,还把它扔进了水里。从此,蚂蚁就伴随着达利。

后来的一些研究者对达利的作品中蚂蚁的解释是:忙碌的蚂蚁通常是紧张、焦虑和衰老的象征,暗示着达利潜意识里的恐惧、无力、不安和性焦虑。达利应该并不明确梦中蚂蚁是什么意义,但是结合童年经历来看,似乎能看出一些负面的情绪始终在他心底。

设计似乎和人文学科离得比较远。但优秀的设计如果能得到科学的帮助,那效果绝对是炫目的。







这是别克的推出水陆两栖概念车。上半部分是一个游艇,下面是一个汽车底盘。极具现代感的造型,非常强大的功能性。但是这款还只是概念车。

概念车也分两种,第一种是已经能跑的车,比较接近于批量生产,其先进技术已步入试验并逐步走向实用化,一般在5年左右可成为公司投产的新产品。第二种汽车只是设计概念模型,虽然它有为超前的设计,但因环境、科研水平、成本等原因,只是未来发展的研究设想。这款别克水陆两栖车是属于第二种。可见如果设计少了科技的支持,那概念车永远只是个”概念“。

不论艺术或者设计他们一般都是观念先行的。先有了想法,然后慢慢克服技术障碍。很多情况下也是设计引领着科技向前发展。一个优秀的艺术家或者设计师应该是走在大众前面的,能提出一些新的理念和观点,如果一味做讨好大众的作品,那是走在了大众的后面,那是很危险的,可能会沦为一个匠人。



——希望所有的艺术家和设计师们能在起步的时候就清楚地知道自己在做什么。
——希望你们能怀有一种开启民智的社会责任感。
——希望你们不要被外界尤其是外行的声音所左右。


如何欣赏艺术之美

首先,从艺术品的感性形式起步。完美的形式,直接体现了艺术家的创造性劳动。其次,品味艺术品里的主观情感。艺术品的感染力与它们包含的艺术家的思想感情是分不开的。艺术家在创作时都是有创作意图的,在时,取什么,舍什么,都受着思想感情的支配。而创作出来的艺术品,就不再是单纯的自然再现,而是艺术家思想感情的表现。【摘要】
如何欣赏艺术之美【提问】
首先,从艺术品的感性形式起步。完美的形式,直接体现了艺术家的创造性劳动。其次,品味艺术品里的主观情感。艺术品的感染力与它们包含的艺术家的思想感情是分不开的。艺术家在创作时都是有创作意图的,在时,取什么,舍什么,都受着思想感情的支配。而创作出来的艺术品,就不再是单纯的自然再现,而是艺术家思想感情的表现。【回答】
首先,从艺术品的感性形式起步。完美的形式,直接体现了艺术家的创造性劳动。其次,品味艺术品里的主观情感。艺术品的感染力与它们包含的艺术家的思想感情是分不开的。艺术家在创作时都是有创作意图的,在时,取什么,舍什么,都受着思想感情的支配。而创作出来的艺术品,就不再是单纯的自然再现,而是艺术家思想感情的表现。【回答】
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什么是艺术美

问题一:什么是艺术美 艺术美是指各种艺术作品所显现的美。艺术美作为美的一种形态,它是艺术家创造性劳动的产物。艺术家的创作活动作为一种精神生产活动,从本质上说,也是人的本质力量的定向化活动。因此,艺术美也就是人的本质力量在艺术作品中通过艺术形象的感性显现。艺术美就是艺术形象之美。人们只有通过对艺术形象的欣赏,才能够感受到艺术作品之美。我们说,任何艺术形式都不能离开艺术形象的描绘,没有了形象,那艺术本身也就不存在了。艺术形象是根据现实生活中各种现象加以艺术概括所创造出来的具体生动图画,它是广泛多彩的。不能把艺术形象,仅仅理解为人物形象,那些动人的景色、欢乐或哀痛的思绪,一幅熙熙攘攘的生活图画、一种气氛、一种情趣等,他们都是艺术形象。 如裴多芬的“生命诚可贵,爱情价更高。若为自由故,二者皆可抛。”在这里根本就没有人和物的。担当读者读到这些火热诗句的时候,心中就可以浮现出一个为自由而献身的崇高形象。再如贝多芬的第九交响曲,表现出压抑、痛苦、忧郁、希望、挣扎、激奋、斗争、挫折,表现出不屈不挠的意志和最后的欢乐,这些思想感情所构成的音乐形象,就是艺术形象。当然它是诉诸于听觉、想象中的形象。艺术形象是艺术活动中客体的再现与主体的表现的统一。“客体再现”,即艺术家在创作的时候,如实地描写事物的客观形态,是客观的现实生活再现于艺术作品中。再现固然要描绘得像生活本身那样生动可悲、可信,但再现决不是照相式的有闻必录,而要经过艺术家的选择、提炼、集中和概括,甚至在再现时允许有某种变形,即在再现过程中已体现了艺术家的创作性劳动。“主体表现”,就是艺术家把自己对生活的认识、评价,把自己的内心感受、思想倾向、爱与憎,把自己所肯定的或否定的情感态度,甚至自己的意志、冲动等等,都熔铸于形象之中。 艺术形象是艺术活动中客体的再现与主体的表现的统一。对于一个具体形象来说,有的虽侧重于对客体的再现,有的则偏重于对主体的表现。但它们都是再现与表现的统一。如电视剧《好男好女》,它是侧重于再现的,它真实地再现了某个特定历史时期我国山村农民的生活。然而,在再现生活的同时,也表现了编导者的主观想法,表现了作者对我国农民的深切同情、对农民何上劣根性的批判以及产生这些根源的深刻而又深沉的思考。再如巴尔扎克在小说中,主要在于见了十八世纪的法国社会现实。他通过大量真实的艺术形象,再现了资产阶级的胜利和封建阶级的衰落,不可避免的社会现实和历史趋势。但另一方面,他也在这些艺术形象中表露了自己的情感、态度,表现了自己对末落贵族的惋惜,对资产阶级的憎恶,对劳动人民同情的思想倾向。可以说巴尔札克的这些作品就是客观的再现与主体的表现的统一。在再现与表现的统一中,一方面是强调艺术与客观世界的密切关系,另一方面则是强调艺术家的心灵表现。因此,我们在探讨艺术美的本质、寻求艺术美客观的根源等,都必须坚持艺术美来源于生活,艺术与客观世界有着密切联系这一原则。但也不能认为艺术美仅仅是对客观世界的机械反应、简单的再现。还必须承认在艺术创作中艺术家的主体生命的表现,包括心灵表现。换句话说,在构成艺术美的诸多要素中,应包括艺术家主体方面的因素。而这些主体方面的因素,就熔铸、体现在艺术形象中的、艺术家对生活的认识、评价、意志、冲动等;也就是物化在艺术形象中的艺术家的审美意识、审美情感。艺术形象是艺术内容与艺术形式的统一。任何作品都有内容与形式两个必不可少的因素。形式是外在的而内容是内在的。面对一个艺术品,我们首先接触到的是它的形式,然后再去领会它这种形式的内在意蕴,即领会其内容。但真正的艺术品是内容与形式的完美统一。 没有美的形式也就......>>

问题二:什么是艺术美?如何欣赏美? 艺术美是指你的艺术作品表现出来的真、善、美,给人视觉上、听觉上、心理上带来美感和感动等等。美的艺术作品一定要表现出美好盯感情和价值观。艺术源于生活而高于生活。只要你有好的眼光,具有常人不具有的艺术天赋,并且不盲目从众,就能欣赏美,创造美。

问题三:谈谈什么是艺术美,艺术美的本质 艺术美的本质是某些信息以非日常形态和途径完成的有效交流 是某人用实的或者虚的东西击中了你,让你陶醉了震撼了惊讶了或者怒发冲冠了痛不欲生了。

问题四:什么是艺术美 它有哪些表现形式? 艺术美分为好看的美(优美)和残缺的美(凄美)两种,有时候凄美会给人更强烈的心灵震撼,所以漂亮不是评价艺术美的唯一标准。漂亮只是艺术美的一种。

问题五:名词术语解释:什么是艺术美? 艺术美是指各种艺术作品所显现的美。艺术美作为美的一种形态,它是艺术家创造性劳动的产物。艺术家的创作活动作为一种精神生产活动,搐本质上说,也是人的本质力量的定向化活动。因此,艺术美也就是人的本质力量在艺术作品中通过艺术形象的感性显现。

问题六:艺术美的特点 艺术美的特点:
1.形象性
艺术形象是艺术家根据实际生活的体验、认识,根据美的规律创造出来的具体可感而又带有强烈情感色彩的艺术情境。形象性是艺术美的首要特征。
2.典型性
各种体裁的文学作品、音乐作品、绘画和雕塑作品都不是对现实事物的简单模仿,它们往往是对某一类事物特性的综合反映,从中反映此类事物的本质。不过,它们采取的手段各不相同。典型是艺术家塑造的,具有鲜明的个性、带有深刻思想性的能够放映生活的某些本质和历史发展规律的一批艺术形象,典型形象往往还有着丰富的性格。典型性是艺术美的根本特征。
3.主观性(情感与理想)
同一审美对象,在不同的审美主体那里因不同的情感体丹而产生的不同审美结果。审美主体对理想境界的不同追求,也会产生不同的艺术作品。
4.永久性
艺术本来是在时间中的,它有时代性、历史性,但恰恰艺术本身有把时间凝冻起来,成为一个永久的现在……
自然界中各种事物的形态特征被人的感官所感知,使人产生美感,并引起人们的想象和一定的感情活动时,就成了人的审美对象,称为美的形式。如:各种曲线,各种对称图形、各种富有变化而和谐的形体、面孔、声音和色彩。

问题七:美和艺术是什么意思 美的范围很广,美的基本形态是艺术美和现实美。

问题八:什么是艺术的美 艺术美是指各种艺术作品所显现的美。艺术美作为美的一种形态,它是艺术家创造性劳动的产物。艺术家的创作活动作为一种精神生产活动,从本质上说,也是人的本质力量的定向化活动。因此,艺术美也就是人的本质力量在艺术作品中通过艺术形象的感性显现。是指存在于艺术作品中的美,是艺术家按照一定的审美目标、审美实践要求和审美理想的指引,根据美的规律所创造的一种综合美。


艺术美学的编辑推荐

《艺术美学》是作者数十年来探讨艺术理论和美学问题的小结。全书共分四编。第一编各章联系艺术现象来研究审美活动的本质,特别是美的问题。第二编各章研究艺术的本质,特别是美术即造型艺术的审美本质和特征问题。第三编各章就论题看虽然是涉及近三十年来我国美术发展中的一些具体的理论问题、美学问题和实践问题,但几乎所有的文章都是从艺术美学的角度和层面上进行论析的。第四编各章也基本上联系中国当代艺术的发展,用鲁迅先生所提倡的“拿来主义”观点评论西方当代艺术的现状和主要流派与思潮。这本《艺术美学》的撰写和出版,希望能够在一定程度上揭示出美的规律和艺术规律的某些方面,也希望有助于中国文化艺术朝着正确健康的方向发展。

美学与艺术欣赏的目录

第一章绪论第一节美学的产生和发展第二节美的本质与研究对象第三节美与其他学科的关系第二章美的形态第一节社会美、自然美、艺术美第二节优美、崇高、悲剧、喜剧第三章形式美第一节形式美的概念和主要构成要素第二节形式美的组成规律第四章美育第一节美育的起源及发展第二节美育的内容第三节美育的特点第四节美育的任务第五节美育的作用第六节美育的原则和方法第五章中外美学思想家举要第一节中国美学思想家第二节西方美学史撷华第六章文学欣赏第一节文学欣赏的心理过程第二节诗歌欣赏第三节小说欣赏第四节散文欣赏第七章音乐欣赏第一节概述第二节中国民间音乐第三节外国音乐第八章综合艺术欣赏第一节电影艺术欣赏第二节电视艺术欣赏第三节戏剧艺术欣赏

艺术鉴赏的审美心理包括

艺术鉴赏的审美心理包括注意、感知、联想、想象、情感、理解。艺术鉴赏流程是艺术鉴赏活动的全面展开,是接受者由外及内、由浅入深地感知、体验、理解艺术作品的过程。在这过程中活跃着多种审美心理因素,大致可分为三个环节。(1)直觉与感知。艺术鉴赏活动往往是在直觉与感知的心理基础上开始的,它使鉴赏者完成对作品外在形式美的注意和对其意义的直观感受。①审美直觉是整个鉴赏活动的开始,体现为对形式美的敏锐感受和对审美意蕴的瞬间领悟的浑然一体。②审美感知,是审美主体调动视觉、听觉等相应的感觉器官对艺术作品实现感性掌握。(2)体验与想象。审美体验与想象是艺术鉴赏流程的中心环节。①审美体验,是接受者在直觉与感知的基础上,以自身审美经验为基础,潜入艺术作品的规定情境,融进艺术作品的形象世界,同艺术作品交融为一的特殊心理状态。②审美想象,是审美主体在审美活动中按照美的规律,将原有记忆表象重新化合,以构成新的审美意象的积极心理活动。(3)理解与创造。理解与创造是在前两个阶段的基础上达到的一个更高的阶段,通过更高层次的审美再创造活动,实现主体与客体的浑然合一,发生共鸣与顿悟,使鉴赏者的心灵得到净化、精神得到升华,获得一种精神人格层次的审美愉悦,完成艺术鉴赏的审美过程的超越。

美术欣赏与鉴赏是什么的区别?

  美术鉴赏这门学问改变了人们的观看方式。美术鉴赏是运用自己的视觉感知、过去已经有的生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与美术现象的活动。
  欣赏一般局限于感知、想象、情感体验等感性认识方面。
  而鉴赏是运用视觉感知以及其他器官的综合作用、生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与美术现象。即从感性认识上升到理性的一种比较深刻的认识。
  理解两个概念美术欣赏±和美术鉴赏
  “欣赏”与“鉴赏”:
  o 《辞海》对“欣赏”与“鉴赏”的解释
  o 欣赏:领略;玩赏。鉴赏:人们通过特定媒介与艺术形式逐步进入对作品的具体感受、体验、欣赏和鉴别的精神活动。
  “美术欣赏”与“美术鉴赏”:
  o 美术欣赏与美术鉴赏,都是人对美术作品与美术现象所产生的情感活动与思维活动。
  o 区别:活动过程完成的不同
  美术作品与美术现象
  感知 —— 想象 —— 情感体验 —— 理解
  美术欣赏(感性)
  美术鉴赏(理性)

  “美术鉴赏”:
  o 《课程标准》中指出: 美术鉴赏是在义务教育阶段美术课程中“欣赏·评述”学习领域的基础上更高层次的拓展与延伸。
  o 在美术鉴赏中,人们总是自觉不自觉地根据一定的审美理想、审美标准、审美趣味,从作品中获得对于艺术形象的具体感受和体验,展开联想和想象,并伴随一系列的情感反应,从而对作品作出某种审美评价,得到某种精神上的满足,即审美享受。因此,美术鉴赏在具体要求上,比美术欣赏要更高一些。
  “美术鉴赏”的含义:
  o 《课程标准》指出美术鉴赏是运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与美术现象的活动。
  美术鉴赏的两种方法

  o 积极参与美术鉴赏活动;
  o 理解美术与自然、社会之间的关系,在文化情境中认识美术;
  o 热爱祖国优秀的传统文化,尊重世界多元文化。
  (1)、费德门四阶段分析模式:
  o 前面讲到,美术鉴赏是运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与美术现象的活动。
  o 美国乔治大学教授,著名美术理论家和批评家费德门(Edmund Burke Feldman)提出了一种美术鉴赏程序。费德门的美术鉴赏程序分为四个步骤:叙述、形式分析、解释、评价。

  叙述
  o 用语言陈述被欣赏作品画面上可以直接看到的东西,暂不顾其含义和价值判断。对具象作品,应指明作品表现了哪些东西,而对抽象作品,则应指出主要的形状、色彩和方向等。
  o 这一点不需要运用美术基础,只是如实地表述眼睛所看见的内容。要求学生观察“有什么”,它的目的是通过观察、叙述,引起学生对面面的注意,提起兴趣和好奇心。
  形式分析
  o 指探讨一件作品的造型关系,包括各种形状的相互依存及作用方式、色调处理、空间营造、构成原理的应用等,例如作品展示了什么视觉元素和组织原理、作品是用什么材料构成的等等。
  o 要求学生观察那件物体是“什么样子”。对于形式的观察,少数学生能较快、较敏锐地发现物体形式上的差异,而大部分学生都无法自发地观察到。这时,需要教师的引导,比如运用对比的方法,同题材作品进行比较等。
  解释
  o 推测美术作品的含义,或者说探讨美术家通过作品想表达的观念。
  o 这也就是指让学生猜测艺术家为什么要画成这样?他通过这样的形式想表达什么观念。例如,莫奈为什么把睡莲画成色彩缤纷的小碎点?八大山人的荷花为什么画得那么简单,这样的形式给你什么样的感受。
  o 在解释过程中,学生有阅历、审美趣味不同,解释会带由个人主观性,这是很自然的。教师应鼓励学生忠实的发表情绪感受。
  评价
  o 将上面各步骤的资料归纳,综合地判断这一作品的优劣。作品造型语言的效果是否适当地传达主题内容?作者技巧是否成熟?能否发挥材料的特性?
  o 当学生了解了作品的形式,并对作者的意图都有了 定的了解,就不难去判断它们之间是否协调与统一了。这也就理所当然地比单纯用“好”与“坏”去套作品要全面、有依据得多,也比单纯用“喜欢”与“不喜欢”去评价作品要合理得多。
  例如:
  o 教材在第二单元的第6课《从传统到现代》分别设置了林风眠《白衣女》和法国杜尚《下楼梯的裸女第2号》两个个案分析。从“看到什么”—“哪些艺术语言”—“为什么这样画”—“有什么价值”进行鉴赏分析,其实就是费德门的美术鉴赏四个步骤:叙述、形式分析、解释、评价。
  o 我们可以充分利用教材中资源开展美术鉴赏活动。
  (2)、比较教学法:


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